Editorial

JAR se basa en los fundamentos de la exposicionalidad. Publicamos exposiciones de la práctica como investigación, ensamblajes ricos en medios que recopilan y presentan huellas materiales de la práctica artística, articulándolas como contribuciones epistémicas originales. Aunque este paradigma posibilita la creación de constelaciones de materiales altamente complejas, en la práctica los artistas suelen elegir formatos más estandarizados. En JAR, asumimos que cualquier elección configura qué es lo que se puede articular y cómo: no todo lo que se pueda decir requiere necesariamente adoptar complejos formatos ricos en medios, pudiendo esta última opción derivar en mera decoración u ornamentación. Sin embargo, si se desea articular algo específico en términos materiales, la falta de un formato rico en medios lleva a una sensación de empobrecimiento y a una falta de evidencia, por lo que la presentación no transmite el significado que se supone debe comunicar. Pero esto no es un argumento en contra del texto, que puede funcionar de manera similar; más bien, la exposicionalidad es un argumento en favor de una materialidad distributiva, capaz de articular significados complejos que a menudo no logramos expresar 'con palabras'.

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JAR afirma la importancia de la articulación y la difusión tanto dentro como por debajo del nivel de la discursividad. Desde su primer número, la revista se ha esforzado por hacer que la articulación opere según su propia forma de criticidad, a lo que llamamos afirmación, permitiendo, entre otras cosas, la revisión por pares y la colaboración editorial. En cuanto forma de criticidad de la exposicionalidad, la afirmación funciona de manera diferente a la crítica académica convencional. Mientras que la revisión por pares tradicional avanza mediante análisis y corrección discursivos, la afirmación funciona reconociendo lo que hacen los materiales distribuidos y fortaleciendo su capacidad para hacerlo. Esto no conlleva una aceptación acrítica, sino un compromiso activo que conduce a preguntarse: ¿qué articula esta exposición, cómo se conectan sus materiales para lograrlo y cómo podrían potenciarse esas conexiones? Los revisores y editores se fijan en la dinámica interna de los materiales —sus resonancias, tensiones y densidades atmosféricas— en lugar de medirlos según criterios externos. La afirmación se vuelve rigurosa al probar si la estructura distribuida logra sostener una articulación significativa en distintos contextos, trabajando con la lógica propia de la exposición en lugar de imponer marcos evaluativos estandarizados. Es decir, no evalúa las propuestas señalando los déficits que tendrían frente a estándares preestablecidos, sino que las desafía a demostrar si sus materiales despliegan una complejidad distribuida capaz de transmitir contenidos que justifiquen su publicación.

JAR lleva años trabajando con exposiciones ricas en medios y el formato parece haberse estabilizado. Es importante reconocer que estas interacciones materiales distribuidas están presentes en el arte contemporáneo, en particular en el contexto del arte de instalación y las prácticas performativas, es decir, en distribuciones donde el espacio o el tiempo asumen un papel protagónico. (En este caso, el público humano se posiciona de otra manera: como un conjunto sensorial-cognitivo motivado interna o externamente). Paralelamente a la inclusión de diversos medios en la publicación académica de la investigación artística, en los últimos años JAR también ha buscado integrar prácticas más diversas, así como diferentes lenguas e historias. Este enfoque ha agudizado nuestra comprensión del papel del contexto en estas articulaciones materiales (algo que, visto en retrospectiva, parece obvio). Podemos decir que, en sus primeros años, pese a su compromiso con la contextualización local de las prácticas en exposiciones espaciotemporales, JAR también descontextualizó el conocimiento artístico al priorizar el uso del inglés y al asumir concepciones de la investigación artística arraigadas en una comprensión europea del arte contemporáneo. Esto no solo ha dificultado que quienes no hablan inglés se relacionen con JAR, sino que también ha obstaculizado el reconocimiento de disciplinas artísticas con autocomprensiones distintas —como el diseño o la arquitectura—, así como del arte arraigado en otros contextos culturales.

Esta reflexión plantea un tema crucial en torno a lo que podría denominarse el contexto ausente de una exposición: es decir, los contextos en los que una exposición publicada terminará por hallar su relevancia y significado. Argumentaría que, gracias a la diversidad del comité editorial y de lxs revisorxs, JAR siempre ha logrado eludir una unificación total en un único contexto —léase: la interpretación académica del arte—, lo que ha sido, no obstante, más casual que estructural. Por tanto, si pretendemos contrarrestar la descontextualización de las propuestas que recibimos, necesitamos multiplicar estructuralmente nuestros vínculos con ellas. Esta es una tarea difícil, ya que no estamos equipados para brindar físicamente esos contextos ausentes, los que, además, pueden ser múltiples y superponerse. En este sentido, en lugar de asumir alguna forma de correspondencia disciplinaria o cultural de la que debamos hacernos cargo, parece más apropiado adoptar una perspectiva de transdisciplinariedad o transculturalidad con fronteras difusas: los contextos ausentes de una propuesta como un campo material de resonancias distribuidas, que puede abordarse desde enfoques particularmente abiertos.

El papel del lector en la exposicionalidad es activo más que pasivo. Las exposiciones requieren que los lectores naveguen materiales distribuidos y establezcan conexiones entre ellos, aportando sus propias posiciones contextuales —disciplinarias, culturales, afectivas— para incidir en lo que encuentran. Diferentes lectores trazarán distintos caminos a través de una exposición, activando resonancias diversas según sus contextos y preocupaciones. En este sentido, los lectores son los sitios donde los contextos ausentes se hacen presentes, donde los materiales encuentran nueva relevancia y donde emergen significados que pueden trascender la intención autoral. Esto impone demandas particulares al diseño de las exposiciones: los materiales deben estar suficientemente distribuidos y abiertos como para permitir múltiples trayectorias de lectura, conservando la coherencia necesaria para guiar una interacción significativa. También significa que el impacto de la exposicionalidad —como el de cualquier texto 'bueno'— se despliega con el tiempo a través de los diversos encuentros que los lectores tienen con la obra, en lugar de quedar determinado, al momento de la publicación, por la información que se proporciona.

Estamos abordando estas dificultades de manera estructural mediante varios desarrollos convergentes. Los ‘paneles de idioma’ de JAR generan contextos editoriales paralelos que evitan que el inglés actúe como único marco de mediación. El formato de los canales de la Red o Network de JAR permite que los materiales formen parte de múltiples colecciones temáticas y disciplinarias al mismo tiempo, en lugar de quedar confinados a un solo marco contextual. Además, hemos seguido desarrollando las pautas para revisores, centrándonos en modos de exposicionalidad que robustezcan el trabajo de JAR con propuestas de alta densidad contextual, y hemos ido ampliando el comité editorial, a fin de responder con mayor sensibilidad a las variables condiciones contextuales de la investigación. Sin embargo, reconocemos que esto sigue siendo un desafío permanente: cada propuesta nos enseña algo sobre cómo opera el contexto en la exposicionalidad, por lo que nuestras estructuras deben mantenerse adaptativas. La exposicionalidad de las propuestas publicadas en JAR constituye un proceso activo de formación y transformación, cuestionado y validado a través de la revisión por pares y potenciado en el proceso editorial. Este fortalecimiento debe conservar —y no predeterminar—: nuestro trabajo es ampliar la capacidad de los materiales para resonar en contextos diversos de manera continua, preservando la apertura que les permite interpelar a los lectores de formas que no podemos anticipar.

Michael Schwab
Editor en Jefe

A Metaphorical Methodology: Embracing Complexity in Doctoral Artistic Research

Kevin Skelton

This exposition invites you to reflect on the various things you do in your doctoral artistic research and to consider how these activities might form an interconnected system — a methodology. In a guided tour of words, images, and visits to my garden, I reconsider several research models I encountered as a PhD student investigating transdisciplinary performing practices. However, my primary aim is to carve out a pathway — from model to metaphor — one that offers a viable means of seeing your doctoral project existing within a terrain of complexity rather than utter chaos.

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Bodies in Transition

Anja Plonka, Rasmus Nordholt-Frieling, Marko Stefanovic, Laura Brechmann

The research project BODIES IN TRANSITION (2023-2024) searches for sensitive and collaborative bodies of the future by interlacing voices and materials from the Wadden Sea into a cosmology of plants, animals, bacteria, humans and planets. In the context of global crises, which appear as symptoms of a patriarchal and hierarchical self-understanding of human existence, three performers travel to the island of Sylt (Germany) to relearn ‘being’ in this more-than-human-world. Performative research is undertaken in the protection zone 1, the Morsum cliff and the mudflats near Munkmarsch.

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ECOTONE

Niamh O Brien

I am a composer, musician and radio producer, and in this exposition I explore how I brought my artistic practice into dialogue with a cartographic approach called deep mapping to create a sound installation called ECOTONE: A Sonic Journey Through Kildimo-Pallaskenry. Deep mapping encompasses the discursive and ideological dimensions of a place, such as memories, imaginations and the multiple realities that exist in our surroundings (Bodenhamer et al. 2015; Roberts 2016; Biggs and Modeen 2020).

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Playing the Mountain

Serena Lee

Playing the Mountain is an artistic research project investigating balance as the dynamic interplay of yinyang, through the practice of taijiquan (a Chinese internal martial art). Based on this embodied practice, I explore balance not as a state but as movement, by transposing this dynamic of opposing forces into a constellation of participatory, sculptural and expanded cinema forms. Drawing on principles of Chinese aesthetics from a diasporic perspective, Playing the Mountain deploys artistic strategies to consider agency, (non-)presence, tension, and resistance.

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xeno/exo/astro -choreoreadings

Simo Kellokumpu

xeno-/exo-/astro -choreoreadings is a postdoctoral artistic research project that explores research questions that reopen site- and place-responsive choreographic practices by expanding the notions of ‘site’ and ‘place’ to outer space. The prefixes in the title refer to planetary conditions to which I do not have direct access. Another key choreographic exploration focuses on embodying hyper-reading and examining the impact of digital reading on embodied artistic practice.

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